本文摘要：编者按：素描是美术创作中的重要环节，它的重要性不言而喻，当前美术界对素描的推崇度和参与度都很高，这对推展艺术家的创作毫无疑问是有积极意义的。

编者按：素描是美术创作中的重要环节，它的重要性不言而喻，当前美术界对素描的推崇度和参与度都很高，这对推展艺术家的创作毫无疑问是有积极意义的。但是近年来随着素描渐渐变为一种相同恒定的程式，其中曝露出来的问题也愈发凸显，对素描的解读形式化、概念化、表面化沦为普遍存在的问题，应当引发警觉。本期我们邀来自全国各地的艺术家共享自己对于素描的意义和方法的思维，对我们耐心辩证地看来素描冷是有所助益的。

素描的意义——丁亚雷（南京艺术学院美术学系由副主任）素描是美术创作中的一个重要环节。对这句话，必须历史地解读。如果我们否认，美术创作是一个历史着的过程——我想要大部分人或许应当是否认的，却是美术史现在是一个学科专业。不否认美术是历史的，那美术史就没有意义了。

目前看，美术史很有意义。所以，美术是个历史的过程——那么，作为其中的一个重要环节，素描大自然也是历史着的了。素描的历史性不仅展现出在形态上，也展现出在内在理解的变化上。

这种展现出反过来说，也是一种拒绝。但很失望，总体上看，无论是形态，抑或是理解，现在的素描合乎其历史性拒绝的人，或许并不多。素描两个字在中国美术史上经常出现得很早以前。

《益州名画录》记述着后蜀画家滕昌祐说道他“初攻画无师，唯写出生物以似为功而已”的学画过程。这有可能是“素描”两个字在中国美术史文本上较为早于的一个版本了。

当然，那个时候的素描和今天我们说道的素描还不几乎一样。滕昌祐的素描基本上是指生命的东西，所谓“唯写出生物”。

没生命的东西，比如风景、静物，应当不还包括在内的。苏东坡后来说道，“边鸾雀素描，赵昌花传神”，这个素描也是活物的意思。边鸾和赵昌都是所画花鸟名世的画家，赵昌还把自己叫作“素描赵昌”。

黄筌传世的《素描珍禽图》有可能看得更加直观些，所画上基本都是草虫鸟龟之类的活物。所以，过去中国画家所谓的素描，主要是写出活的东西，生就是活的意思。到底什么时候素描的概念扩展到风景山水的领域，一时半会说道不过于确切。

现在人们总会提及的关于过去画家对景素描较为早于的例子，有可能是黄公望在《写出山水诀》中说道的“皮袋中置描笔在内，或于好景处，闻树根有古怪，零食图画录之”这段话。这就是指今天的素描概念追溯到的古人的实践中，大痴道人自己不行“素描”两个字。后来明朝人徐勃倒是在山水画家身上中用了。徐勃在《徐氏笔精》（卷七）里说道：“唯元倪瓒辈始善素描，干画家蹊径”。

现在人在追溯山水画史中“素描”概念的时候，总是不会提及这句话。不过，如果你把上下文连一起看，你可能会实在，徐维起说的倪瓒的“素描”，既不过于像边鸾、赵昌的素描，又和今天美术术语中素描的意思不过于一样。徐勃的原话是，“古画多用胶矾着绢，唐宋名家皆然。

唯元倪瓒辈始善素描，干画家蹊径。唐章孝标咏画屏风云：‘雨滴胶山折断，风绢海秋’，唐宋所画全用胶矾，此是一证”。

这里的素描，推倒类似于生熟的生。画家都告诉，生绢翻了胶矾水，就变为了煮绢。徐勃的意思是说道，唐宋名家往往在翻了胶矾水的煮绢上作画，倪瓒开始讨厌在生绢上作画了。

这样子和倪瓒是不是背著画匣子过来画画，关系不大。传统中国画家讲究“读万卷书，行万里路”，但他们行路的时候实质上不怎么画画，只是看，黄公望住在富春江畔的时候，经常过来游荡，还影响了画画。《富春山居图》多余师卷跋文里说道，《富春山居图》“暇三四载有并未得完善，垫因回到山中，而云游独自故尔”。

那个时候画家们的山水印象和图式经验，主要是靠“目识心记”，再者就是沿袭古人。当然，这也是被后来现代画家诟病的地方。现代画家主张素描，主张到生活中去、到大自然中去，是为了切合大自然、贴近生活。

但实质上，那个时候的画家十分切合大自然、贴近生活。古人每天的日子只不过都差不多，当时画家目识心记，沿袭古人，觉得没什么拢，那些古人和比他们再行杨家两三百年的古人的生活到底能有多大有所不同呢？生活逆了，大自然逆了，绘画当然也就随之而转变了。就如同美术两个字很早已在中国文化中经常出现过，但今天美术的概念是晚清才从日本糅合过来的一样，今天美术学科意义上的素描概念应当也是近代以后才甜美一起的，尤其是山水和风景素描。刘海粟创立上海美专的时候，常常带着学生出外素描，这在当时还是上报纸新闻的新鲜事。

刘海粟曾多次在日记里说道过：“有显者四人，在山中设筵赏雪，闻余等在山素描，乃相率来观。甲曰，此乃测量局之打样者。乙曰，否，垫沪上之新的画师，来取雪景，以便制月份牌赚也，故不畏寒而肯来。

丙曰，吾国画师，无表现手法者，惟日本人与西洋人，则经常来此间素描。观此人之穿着，恰为日本人毫无疑问”。他的这段话也解释，在自然环境中画画，在当时人显然还是很稀奇的，多是东西洋人干的事，而“吾国画师，无表现手法者”。

所以说道，刘海粟先生首创的旅行素描，在当时是具有文化变革的意味的。日本人当然是不受西洋人的影响的，就不去说道他了。问题是，西洋人为什么不会“素描”呢？西方绘画术语中，样子也没哪一个词能原始的对应“素描”这个中文词，难道能用topaintdirectlyfromlifeornature这样一句话来对应，才能较为原始地指出“素描”的中文意思。这句英文要是必要刷，应当是“对着活物或大自然必要展开绘画”。

前者的那种方法和边鸾、赵昌等中国画家的素描传统差不多，也是很早已有了。而后者，必要对大自然画，却也是他们后来渐渐构成的，最有代表性的有可能就是印象派画家了。印象派之前的画家不是说道会对着大大自然作画，特纳和康斯太勃尔的风景也是面临大大自然的。只不过，他们在户外所画的基本上是速写或者素描，很少必要用颜色，颜色多是返回画室后才所画上的。

后来，法国巴比松画家的作品只不过也差不多是户外画一半，返回画室里再行最后已完成。到了印象派的时候，发明者了锡管颜料，画家才确实必要在户外对着大大自然已完成一幅作品。在W·J·T米切尔主编的《风景与权力》一书中，给我们获取了十分有说服力的研究案例，指出欧洲风景画的经常出现和变革皆是一个历史着的过程。

米切尔说道“我们不是把风景看作是一个可供观赏的物体或者可供读者的文本，而是一个过程，社会和主体性身份通过这个过程构成。”在他显然，风景画是作为一种文化实践中而构成的，并因为参予文化实践中而获得发展。荷兰风景画、英国风景画、哈得逊河画派乃至印象派风景，皆是参予文化实践中（资产阶级革命、民族主义、海外殖民、边疆研发等等）的产物及其反映。西方的自然主义风景画的经常出现与发展，在西方社会主体性构成过程中，扮演着了最重要的角色。

西风东渐之后，到大大自然中必要去画画也慢慢沦为中国画家一种新的、先进设备的美术创作形式。从刘海粟的上海美专之后，有了更加多的中国画家开始背著画具走街串巷、上山下海，对着风景必要画画了。

作为一种创作方法，半个世纪以来，素描堪称被执着变革的中国画家们抱有了许多希望。此后，“素描”在中国美术中有了与传统含义有所不同的绘画之外的象征物指向。

今天的问题是，时间幸了之后，素描慢慢地出了美术创作和美术教学中的一门课程和规定动作被相同下来。今天，完全每个美术学院在某个旅游景点或者名山大川都成立有几个素描基地。一到春暖花开、或者秋高气爽，这些基地挤满了大量来自全国各地美术院校的学生，坐着小板凳，支着小画板，对着山丘、池塘和田野集中精力画画。

睡个一两周，他们又离去行囊回来了，返回了大大小小的城市中。之后，和这些个被称作素描基地的地方，他们就基本上没更好的联系了。实质上，即使在素描中，这些地方起着的起到和他们的教室也劣没法过于多。米切尔在《帝国的风景》一文中说，“风景不是一种艺术类型而是一种媒介”，他所指的媒介是一种“人与自然，自我与他者之间互相交换的媒介”。

失望的是，我们在今天画家们的素描形态中看见的，或许只是一种烧结的艺术类型，作为文化媒介的特性不是那么显著了。米切尔的观点应当可以引发我们对当下山水素描问题的了解思维。

最后某种程度套用米切尔的话说道，时代发展到了今天，对景素描（风景）早已是一种耗尽的媒介了，作为一种艺术展现出方式也仍然活力盎然，但我们无法因此就说道，对景素描有如生活令人生厌。写出的文化——刘建平（中国艺术研究院油画院教授）素描的意义，今天看上去早已不拘于“素描”本身了，它使更加多的人通过素描新的看来一个地区或者一个景区，新的找到和体验它的美感，也由此加剧了对它历史感的了解，进而增进对现实、对自我的思维和反省——人的幸福感觉、人与自然的交错不仅实施于景观和素描，或者期望于旅游区的建设和研发，而关系到人的发展和构建的大节。在现当代，归属于必要观赏的素描及其电磁辐射，还包括对文化现实的介入，突显它的积极意义。当然作为一个艺术工作者，所画要一笔一笔地画。

素描历年来就是本行业的一个具体内容，并不是因为当今大范围倡导才实在最重要。我们无法说道中世纪那些宗教题材绘画雕塑没素描的成分，你我也可以看见阿尔塔米拉山洞的完整绘画也必不可少素描，当然有些素描有可能是记忆，关于这一点，我们不出此时充分发挥，只是说道，总归是仔细观察。

人对这个世界的仔细观察多种多样，素描是其中一种。但是素描并不是“必要”面临对象，是在作者和大自然之间加到了一种模式和思想，换句话，素描是文化，一个素描者，一定是在看了前人或者别人所画的素描，你才所画一种是素描的图画，所以任何时候我们都在文化当中，我们必需也被迫认同这个东西；同时在这个框架当中，我们还一直遵循自己的“此时此事物”，找寻最基本最必要的感觉，并尽量不陈规地传达它，这就使素描有了可玩性，也有了经常写出经常新的可能性，从这个意义上说道，当前大面积地倡导，以不导致各种非常简单方式的仿效，不导致师生或朋友之间的习染，不导致心态不心态寻求各种捷径的素描为好。

这些都是必须行内行外警觉的。这也就必须良性的的组织活动和身体健康的学术星舰，如果需要相辅相成，素描和有关事物多方面就不会有更为幸福的前景。关于山水画的素描教学——张捷（中国美术学院教授）“外师炼，中得心源”。中国山水画是心灵感官的迹化，而大自然形态的客观存在又是画家语言图式和笔墨冲动的本源。

素描中我们从实际的、因果的大自然秩序中抽离出来，毕竟为了还原成感官中的某种不存在，而是让个体精神活动对应大自然山川以求权利遨游，它是现实的又是想象的，是形象逻辑思维和意象抽象思维的合一性。山水画素描的意象表现形式在于既“合情”又“入理”，在执着形神兼得的同时，更加侧重寓意抒情，求象外之意，心由笔使，借物达意，而并非全然的客观刻画。由此，物象的传达有了主观的人文情愫和精神倾向，有态度的语言才是生动和生动的，因为它彰显了笔墨的象征物寓意与生命含义。所以，如何引领学生在素描中应付事物灵敏的感悟力，培育学生主观知性下的总结能力，启迪学生“写貌物情,摅放人思”的精神执着变得尤为重要。

我们今天的素描和古人是不一样的，今天是对景素描，古人是啖泛舟饫看，目识心记，有时甚至用诗歌等文字形式记录比笔墨远比更加细致。现在下雨天没有办法带上素描的时候，我竟然学生们做到游记。

一般来说，对景素描（水墨、速写）、记忆素描（心存目记）、文字素描（游记、诗词等）是素描教学中的几种主要途径。我们面临大自然，在天地之间游览如何寻找自己，这一点很最重要。所画乃心印，人的情感在画面中释放出来现实的一面，这个世界让我打动，我才不会通过绘画来传达，只是借了笔墨这样一种方式。

无病呻吟的笔墨认同是杀的。有的人指出素描是为了累积素材，我指出这是不该的，素描本身就是对大自然的一种领悟，就是一种建构。素描、绘画、创作，只不过它们相互之间是环环相扣的。

艺术源自生活，但又是低于生活的，我们今天应当彰显素描一种当下的意义。古人展现出亭台楼阁，是因为他们就生活在这样的环境，今天我们所画的高士图也不能推敲古人如何生活，会确实返回古人生活的那个年代，那么对于自己身边的事物如何传达？我现在带上研究生的命题是“田园与都市”，今天我们看见的都是钢筋混凝土结构，用古人的一波三折屋漏痕方法画出来，都是直线，如何展现出光影，展现出夜景呢？所以这必须自己的创造力，让学生需要像个蓄电池一样大大地有能量进去，展现出周边熟悉的一些事物、环境。都市山水题材是给我们山水画家的一个新的命题，也是一个新的挑战。

素描中画家对笔墨经验，对文化切换不会有一种类似感官，每次到有所不同的地方素描，新鲜感总会扑面而来，陕北的干裂秋风，江南的润含春雨，中部地区的苍而润之等等，笔墨必须应付有所不同场景的改变，这很难，但我们每次都会去尝试寻找匹敌笔墨的一种能力。因为素描过程中不得而知的东西很多，它不会鼓舞画家探寻新的有可能。只有一两天时间的素描认同是敢的，我困惑的是每次到了笔墨和地域特点更加与众不同的时候，往往素描课就完结了。素描教学已沦为当下中国画学科建设中不可或缺的最重要组成部分。

所谓“师古人，师炼，师本心。”实质上就是绘画、素描、创作三门课程的环环相扣，相辅相成，缺一不可。

要完备山水画专业人才的培育，无法绕过“了法、运技、修身、得道”的举一反三和循环往复的连贯过程。“了法，运技，修身，得道”是山水画自学的四个步骤，如果总是逗留在技法上，技巧娴熟之后很有可能南北程式化，更容易显得油滑。齐白石先生明确提出“先熟后生”，说道的是笔墨要娴熟、更加要浑厚多元，然后随着年龄快速增长水到渠成，笔墨大自然就杨家到了，无法故意而为之。当然素描也不会带给这样的问题，有些画家不会眷恋笔墨，甚至有点神经质，实在要用某种展现出方式就不够了。

也许长年在一个地方待着，就所画一个地方，这种方式也是如履薄冰。对我来说，以前是所画显水墨，现在到外地素描也不会用点颜色，色破墨，墨破色，水墨相融这样一种笔墨方式跟我以往显水墨的表达方式又不一样。逆水行舟不进则退，应当要让笔墨有改版的尝试。

素描引起的程式化问题是应当引发推崇的，但是人在每个阶段的笔墨认同是不一样的，只不过有时候看一个画家的笔墨展现出或许有些雷同，但是从一生的漫长时间来看认同是不一样的。辩证地看来素描——傅振（衢州市文化馆副馆长）当前山水画界对素描的推崇度很高，在很多媒体上都可看见集体或个人有关素描活动的消息，或许有“热”的迹象。山水画也是绘画的一个门类，素描当然最重要，但也自有体系特点，必须辩证耐心看来，如果盲目推崇，则有可能步入误区。

现在的素描概念，不受西画尤其是素描影响相当大，但如同中西文化的有所不同，中西绘画本质的差异也相当大：山水画的基础是哲理，侧重山水画，以刻画想象居多，偏向于主观，技法核心是线条，评判要点是格调意味；西画的基础是科学，侧重表现手法，以图画大自然居多，偏向于客观，技法核心是块面，评判要点是感觉和生动性。所以，西画在家“意造”是不适合的，把素描放在引人注目地位自有道理，这种作画过程虽然也有主观权衡，但程度大得多。而山水画素描侧重的只是把所看见的东西变为可供自己“意造”的素材或是物理依据，最后画出来的，有的有可能与原景相近度较高，有的也有可能面目全非，几乎各不相同画家内心的点子，这个改变过程必须高深简单的体悟，所谓“迁至想要智得”，这也是要求画家之间高下的主要区别所在。

当前很多热衷素描的山水画家有可能并没充份注意到这一点，很多是为素描而素描，还是按照西画的理念写景状物，著迷于表现手法造型能力之中，虽然画面效果简单原始生动，但格调往往无以凌隐晦平庸，而且素描扣除在其它时候的创作中也无法派上用场，所以说道这种素描有点类似于掉进一个开朗的陷阱。事实上，当代前辈中也有很多人做到过以素描居多的探寻，但只有个别功力和悟性卓越的人物才能作好，比如李可染，但他的弟子中这条路回头得好的很少，可见，这是一条极险之路，不是说道无法回头，但毕竟合适大多数人回头。前人出外素描，是因为不外出将近实地就不得而知知悉，现在影像资源空前非常丰富，传输渠道极为多样，可以通过多种方式看见外地的各种山水景物，并非以定要实地素描不能。

再者，山水画关键是“中得心源”，在于主观转化成的能力，比如画树，有时小区里公园里看见的远比千里之外的没价值，图片上看见的也远比实地看见的没价值。如此说道，并不是赞成素描，而是李先生对“中式”素描有耐心辩证的解读。

只要能超过目的，素描本身是不讲究的，怎么写出都可以，千笔万笔可以，一笔两笔可以，只看不写出也可以，只要眼前之景能为心所用就可以。有些前辈艺术家的方法有一点糅合，像黄宾虹，虽然常常素描，但他的素描稿并不简单，也不一定原始，有的只是非常简单勾勒，与实不一定吻合，观者往往不知所云，内在的“密码”只有他自己告诉；像傅抱石、陆俨少，因为有学院老师和画院领导的身份，也常常参与集体素描活动，但现场动笔并不是很多，据传傅抱石有一次在华山素描，同事都上山画，他只在山下走走看看，后来展出亮相，他的作品反而普遍认为最精彩。

之所以如此，主要原因是他们对“中式”素描有深刻印象的解读，并能做到好主动性，所以获得的东西经常能与有数的东西很好地融合，需要灵活运用左右逢源。素描会过时——王辉（北京当代中国山水画油画研究院继续执行副院长）自学美术都要经历素描的过程，就是状物，对着东西来所画。那么素描否需要所画至终生呢？当然，这是可以的。

中国油画家经常崇拜的很多国外名画家，他们都是在素描中成名成家的，比如画人物素描的弗洛伊德、画静物素描的莫兰迪、在户外素描风景的塞尚等等，都在素描中已完成了他们最出色的艺术变革。回首中国的美术，特别是在是20世纪下半叶的中国美术，素描并不被人所重视，即使在全国性的展出中，素描作品一般是不参与展出的，这是当年美术体制的武断思维。今天，国家在的组织根本性历史题材创作，这是好事情，但是也不应留意无法因此而偏废具备显然性质的素描，无法因为你执着所谓“矮小尚能”而冷遇了艺术的多样格局。

素描，就像中国书画家在书斋里面天天要做到功课一样，素描也必须天天画，这是一种学养的累积，不管画人体、静物，还是风景，都借由素描这种艺术创作方式来传达发自内心地对世界的观点。如果说大题材的艺术创作是需要的话，从更加普遍地了解到艺术主体内心层面来说，素描是更加必须的，它是客体和主体之间最必要、最本质、最完整、最常态的一种艺术建构不道德，因此素描这种方式总有一天会过时。

当然，素描如何去提升，这是艺术家自己的事情。过去我们的素描，特别是在是向苏联自学时期的这种素描，目的是为创作而锻炼基本功，为所画大画搜集素材，比如画一头骡子我要去素描骡；画一扇门窗我要去素描门窗，光影效果必须通过素描来已完成，但是现在的素描不应当是这样，它重返到了向欧洲自学油画的那样一种经典传统中来，素描沦为一种创作方式，艺术家在素描中可以已完成作品的全部内涵，它仍然逗留在过去的概念，特别是在无法把它和学生时期的素描等同于看来。国内有写生画得十分好的，比如吴冠中、比如忻东旺，他们也就是在素描中已完成了艺术风格的确认和升华。

我们无法只把创作的作品看作是至高无上的，只不过，大创作不一定在艺术价值上可与杰出素描作品等量齐观。当然，像印象派画家那样的素描作品以致于天价，这在中国来说，还有待于一定的时日，只是说道，在中国社会到民间，有这样一个历史改变过程。画照片是有问题的——陈宜明（中国油画学会副秘书长）画画分成好多种类，画大型的创作，素描不会较少一点。

当然也还有作品主要是通过素描来已完成。不管怎样，一味在家里画照片是有问题的。照片颜色非常简单，画照片所画不出来细致的颜色和非常丰富的层次。

只不过在外面素描时画不原始也不要紧，主要是需要体会到自然界的东西，却是照片能获取的信息是很少的。当然纯粹素描，也有很多受限于天气的局限。最重要的是，在外面素描思维时间必定很少，要用最慢的速度画出来。

但是画面还是必须思维的。有可能返回画室的时候拿走照片和自己素描的画思维语言不存在差异。两者之间必须相互补足。

作为学院来讲，素描一般作为对课堂教学的补足。室外要比室内非常丰富，另外可以培育艺术感觉，以及在很短的时间内捕猎信息的能力，在校学生有几次素描活动是很最重要的。

光从素描这个角度来讲，国内素描的人很多，但是现在大多数的素描还是逗留在遗文对象上，不存在其他各种问题。只不过，风景画比素描还要低一个层次，并不是客观地刻画跟自然界一模一样的画面。这是一个很难的课题，现在做到这个课题的人还较为较少。所画到最后，关键是要所画出有自己的风格，然而很多人都没有想要过写生画的是什么。

作为个体来讲，是不是深层次地思维，最后的画否具备个人风格、东方色彩，这是最重要的。一味刻画大自然的素描没生命——黄阿忠（上海大学教授）说道到素描，我实在要把“素描”这两个字分离，一个是“写出”，一个是“生”。

素描实质上是对对象必要写出或默写，而对应的自然界的对象是有生命的。素描者的生命与对象的生命互相亲密，就产生了艺术。

如果为所画而画，没用自己的生命去领悟，意味着是把对象刻画下来，画面是没生命的。于是以因为每个人的领悟有所不同，有所不同的画家对着某种程度的景，不会产生有所不同的结果。

在画室内创作和到现场的环境中创作，既有有所不同也有完全相同。在室内创作因为离开了对象，应当说道是更为主观了。

在实景中创作，如果经验不非常丰富很更容易被景拿走，而毁掉了艺术家自己的心，大自然的生命抓不住，自己的生命也传达不出来，这就是告终的作品。但是在室内创作有一点必需要特别强调，就是一定要到室外实地去感觉，这是前提。

在画室内创作，也是平时经验的累积和反映。各个画家创作的习惯有所不同，但是改信的信条毕竟一样的，就是用自己的情感去表现对象。我画画几十年，对景素描有几万张，忽然有一天我实在要在画室中创作，传达自己的内心。

石涛说道“搜尽奇峰打草稿”，这个“搜尽奇峰”也是素描，不是手在写出，而是用心写出。所以绘画最后的落点不是用大脑画，而是用心来所画。

梵高也是用心画，那些麦地、星空，都是他自燃着的生命，病毒感染着看他作品的人们。我捕猎的是心中的风景，是山水画，写出心中的意味。

比如一条古巷，那种形式、包含，斑驳的老墙上留给岁月的印痕，这就是杨家建筑的贵重。我们要在画布上捕猎历史的岁月，传达对历史的认同、尊敬，这些景色都感动我。

当观者看了这些作品，与看照片有所不同，这里面带入了创作者的感觉。一个艺术家的任务是摄入大自然的灵魂，寻找大自然中隐蔽的精灵。素描说道——章晓明（中国美术学院教授）素描，一个古老而传统的话题今天被新的明确提出是有它的针对性的。

首先，我们为什么要素描·是针对那些从来不素描，只对着照片所画的；第二，素描的意义确有？是针对那些在素描，却所画得像“照片”的；第三，如何去素描？是针对那些走马观花，以数量取得胜利的素描。我们重谈素描，是要厘清画家与图像、画家与大自然的关系。前面提及对着照片画，就是以图像替代了大自然，没身临其境的现场感，就无法取得大自然给与你的现实感觉。

其二，将素描逗留在逃跑对象的第一层面上，虽是在素描，但没更进一步地感觉大自然，不能剽窃大自然，受限于对象。其三，过分特别强调主观意愿，却忽视对象的不存在，以速度与激情来已完成素描，其数量之多，符合了感官性刺激但缺少深度。可以说道这三种状态都无法视作是确实的素描。

面临大大自然，画家不应几乎投身于对大自然的研究，如何在一幅风景画里构建你的思维，从绘画的观点来解读大大自然，以及如何构成传达的方式，只不过是件很难的事。假如一个陌生的景瞬间被你更有，大凡各不相同它外在的形式，如：色彩、形状、光线等。倘若是一个你所熟知和理解的景，你面临它时就不会有截然不同的感觉，对于一个景的解读不应是全方位的，诸如它环境的变化，它的历史，甚至在此曾再次发生过的故事等，有了这些境域的关怀，画面就不会呈现有所不同的气象。某种程度的景在有所不同人的眼里，就不会有有所不同的体验，你可以对它的外在形式做到处置，也可以把它所画得漂漂亮亮，但关键是在与大自然的交流解读中是不是能力勇于去打破它，否则是愚蠢的，只有了解进来，你才不会自动地相似现实。

塞尚晚期以圣·维克多山为主题，重复所画了大量的素描作品，其目的就是想要大大自然所有转换的元素和外观表达出有它那份亘古长存的悸动。他说道：“大大自然富裕深刻印象的内涵，并非直白之物。

”素描就是返回绘画的本源，返回绘画就是返回大自然。画风景但不所画孤立无援的风景，是让风景在境域中展现出自身包含绘画。我赞成走马观花式的去找新鲜，不少人画风景都是冲着视觉的新鲜感去的，并没再行了解一点去研究。比如：看惯了南方的青山秀水，就想要去找北方的沙漠和草原。

关键是如何能维持寄居这种新鲜和激动的创作状态。在素描过程中，对一个景的解读是必须重复的，因为对象一直在飞舞着，无法做到，只有当画者与风景的各种关口系统合在一起的时候，画面才不会有生气，所以同一个景有时必须重复去所画，去解读，去前进，必须时再行所画第二张、第三张……贾柯梅蒂为了执着意味著的现实，重复画同一个模特儿。

当然，每个人的方法也都不一样，要根据自己的能力和解读，寻找一个最佳的展现出方式。艺术所谓的当代或不当代，并不是说道技法有多当代，艺术就当代了。中国画到现在也还是在用笔和墨，只是展现出方式和观赏方式不一样了。如果非要在技法上一味地另辟蹊径，这不是艺术的本质所要超过的目标。

我实在要创建中国的当代绘画，关键是如何把中国传统的观物方式与西方的绘画语言融合一起，深层次的融合也许不会做到得跟西方的观赏方式有所区别。但最后你不会找到，只不过好的艺术到了一定高度上气息都是相连的。素描要有点子——曹跃（上海美术学院教师）素描一定要有点子。

我就是指两个角度来看素描这个问题的。首先是作为美术学院的教师，其次，是作为一个画家。

作为教师，我实在素描的重要性是毋庸置疑的，它在协助学生培育仔细观察方法，掌控绘画技巧、锤炼绘画语言这些方面具有不能代替的起到。在这一点上，无论中国画还是以油画为代表的西方绘画体系，都是一样的。

所以这也出了美术学院烧结了的教学模式，这种模式下也成就了许多卓越的艺术家，素描所表明出有的造型能力的强弱与艺术成就基本可以画等号，国内国外都有许多这样的艺术家，不胜枚举，那是绘画的黄金时代，尽管在有所不同的文化背景和历史时段。然而在艺术多元化的今天，素描的起到或许不是那么显著了，这也合乎这个时代的特征，架上绘画对这个世界或许有点心理障碍，新材料新媒体新观念或许都仍然必须绘画能力的承托，像约明安·赫斯特这样的全球最火的明星艺术家就不是靠绘画而是以鲨鱼标本和药丸货架以及珠宝头盖骨而扬名立万的。

所以，这种时代背景认同不会影响到教学中来的，整体上来说，现在的学生不像以前那样讨厌素描了，只不过这是长时间的，因为他们具有过于多的自由选择，时代有所不同了，艺术的形态也早就仍然是单一指向了，但即使这样，我指出素描在美术学院的教学体系中仍然是最重要的，谁也无法驳斥达明安·赫斯特在沦为“达明安·赫斯特”之前艺术学院教育对其产生过的影响。如果素描在符合了取得技能的基础上，沦为构建艺术点子的探寻工具或者淬炼艺术语言的适当过程，那么，我实在学生感觉到了其中的意思，还是不会对素描乐此不疲的，所以，素描要有点子，素描教学也要有点子。这是在教师层面上我对素描的一点了解。

再行从画家的层面来看素描，除了为主题创作收集素材，做到打算功课这些功能性素描以外，我指出，某种程度，素描也是要有点子，而某种程度是数量上的累积，是为素描而素描，是娴熟活的展现出，这样的画，一百张，一千张也没什么意思。重新加入点子，可以是个体审美上的执着，可以是技法、材料等形式语言上的探寻，等等，这样的素描才是有意思的，有意义的，素描也就有了作品的价值，毕加索的《日落·印象》就是一张素描，却出了印象派的标志，过于多的中外画家就是以素描的形态所画出有好所画的，在他们那里，或许没什么素描，那就是创作。

所以，总结一起就是，素描要有点子。

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